ANDRÉ DERAIN______PAISAJE

 

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A partir de 1905 la obra de Andre Derain toma una dirección radicalmente nueva en la que señala dos características distintivas. Una “nueva concepción de la luz, que consiste en la negación de la sombra” y que provoque una “revitalización de la fuerza expresiva”.

André Derain y Matisse encontraron una nueva forma de pintar, una técnica mixta de capas de pintura planas y de irisaciones diáfanas distribuidas mediante toques en el lienzo cuya estructura en muchos casos quedaba al descubierto. El plano del cuadro derivaba directamente a la aplicación de colores puros, de forma que el lienzo pintado, que “negaba” la sombra, y , por tanto reducía la profundidad, conservaba su característica inicial de una superficie bidimensional.

EMIL NOLDE__PAISAJE

 

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EMIL NOLDE__PAISAJE MARINO

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Emil Nolde (1867-1956).Pintor pionero del expresionismo alemán.
El expresionismo debemos verlo como un desarrollo tardío de una serie de rebeliones románticas que emergieron en el siglo diecinueve. Los románticos enfatizaron el genio creativo artístico individual y los poderes de la imaginación. En la multitud de rebeliones románticas se encontraba una creciente preocupación por la "vida interior" y los poderes creativos del individuo.

El expresionismo produjo algunos de los últimos intentos de preservar la subjetividad individual contra los asaltos de las cada vez más poderosas y represivas sociedades.. 

EMIL NOLDE_FLORES ROJAS

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"He hecho un arte a mi modo. Lo hice con los ojos abiertos a las maravillas del mundo visible, y, pese a lo que haya podido decirse, con la preocupación constante de acatar las leyes de lo natural y de la vida". 

Odilon Redon llega al color cuando ronda los cincuenta años y se dejará seducir por él. Encontrará la luz, que se hará color, ambos asociados al ascenso hacia el mundo espiritual. 
Su arte abre vía a todas las posibilidades que constituirán la trama del arte moderno: la afirmación de los derechos de la subjetividad, el valor autónomo del color y de la línea y también bucear en el subconsciente. 

ODILON REDON_OFELIA

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"He hecho un arte a mi modo. Lo hice con los ojos abiertos a las maravillas del mundo visible, y, pese a lo que haya podido decirse, con la preocupación constante de acatar las leyes de lo natural y de la vida". 

Odilon Redon llega al color cuando ronda los cincuenta años y se dejará seducir por él. Encontrará la luz, que se hará color, ambos asociados al ascenso hacia el mundo espiritual. 
Su arte abre vía a todas las posibilidades que constituirán la trama del arte moderno: la afirmación de los derechos de la subjetividad, el valor autónomo del color y de la línea y también bucear en el subconsciente. 

TURNER_ATARDECER ESCARLATA

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Turner lleva el lenguaje pictórico a una situación límite. Sus paisajes destruyen el mundo de la apariencia, nítido y cristalino para penetrar en la representación de la ausencia de límites de las formas. En su última etapa entre 1835 y 1845, comienza a transformar el lenguaje de la pintura despojándolo de contenido. Muchas de sus composiciones las deja abiertas, a la imaginación y a la experiencia del espectador.
La sublimidad del paisaje romántico de Turner resucita después de 1945 en Norteamérica en las pinturas de Rothko en la que la experiencia estética produce una disolución entre el espectador y la obra de arte.

TOULOUSE LAUTREC_EN LA CAMA: EL BESO

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El interés creciente de los artistas por la representación veraz de la realidad desde mediados del siglo XIX (lo que no implica, salvo excepciones contadas, una militancia ideológica de contenido social) les llevaría a prescindir de todas las convenciones sobre temas y modos de representación que imperaban en el arte del Renacimiento.

El impresionismo representa un renovado impulso a la visión realista de la pintura. En esta línea, la imagen de la mujer en el arte experimenta un cambio radical. La camarera, la costurera, la bailarina, la prostituta… Todos los perfiles populares de mujeres cobran protagonismo como parte intrínseca de la sociedad, su dinámica y su paisaje; ya no esa dicotomía entre la santa y la puta en la que se había convertido la mujer en la representación tradicional del arte. Y no es que Lautrec fuese una especie de ejemplo del igualitarismo, sino que no le interesaba en absoluto la distinción social, aunque es posible que tal actitud fuese un lujo que él se podía consentir por pertenecer a una de las más rancias familias nobles de Francia.

Lo que finalmente consigue Lautrec es ofrecernos el retrato más completo y fiel que ha dado el arte del ejercicio de la prostitución en todas sus dimensiones, salvo la parte carnal del oficio; nos ofrece lo que no se ve: su realidad.

Esta obra del genio del postimpresionismo es una de las 16 pinturas que le encargó en 1892 el propietario del prostíbulo de la rue d’Ambroise para decorar el salón principal. Varias de estas pinturas representan sin pudor el lesbianismo como algo erótico, pero a la vez tierno, con enorme naturalidad y evidente simpatía por las retratadas. Más que deseo sexual lo que transmite es ternura.

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BIBLIO:

Toulouse-Lautrec y la imagen de la mujer

John Berger: Modos de ver, capítulo 2 (*)

https://www.youtube.com/watch?v=MDcyd_9Y9Yc&list=PLkzLAvWHZioZTIvXrHrIVzoGFIdCuOpK6&index=2

Pierre-Hubert Subleyras

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Desnudo femenino de espaldas (ca. 1739, Galleria Nazionale d'Arte Antica Palazzo Barberini, Roma), de Pierre-Hubert Subleyras (Saint-Gilles-du-Gard, 1699- Roma, 1749). 35 x 21 cm. Óleo sobre madera. No incluye moldura

El desnudo femenino del pintor francés Pierre Subleyras es una verdadera obra maestra por la modernidad del tema, por la espontaneidad de la pose, pero sobre todo por la intimidad y por la aplicación de blancos, rosas y grises. No es una representación alegórica, ni una divinidad dormida. La intimidad "doméstica" es la protagonista de la pintura creada por uno de los pintores y grabadores más importantes del clasicismo de la primera mitad del siglo XVIII. Anticipa la pintura impresionista del sigo XIX con un conjunto de sutiles pinceladas que dotan a la superficie de una materia brillante con pequeños toques que iluminan la escena y la impregnan de una sensualidad evidente que atenúan la frialdad de las composiciones neoclásicas.

Como curiosidad se cree que la figura era su esposa la miniaturista Maria Felice Tibaldi. Durante su estancia en Roma, Goya podría haber visto el Desnudo femenino de espaldas de Subleyras antes de crear su Maja Desnuda.

BIBLIO:

http://www.treccani.it/magazine/webtv/videos/Itin_Subleyras_Lo_Bianco.html

https://www.youtube.com/watch?time_continue=152&v=M-kbXvDzy2Q

MATISSE

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“He trabajado toda mi vida con los mismos objetos. El objeto es un actor. Un buen actor puede participar en diez obras diferentes. Un objeto puede desempeñar un papel en diez pinturas diferentes”. La frase pronunciada por el pintor francés Henri Matisse en 1951, resume el papel central que representaron los objetos en sus obras y en su vida.

Matisse amó los objetos y su colección era ecléctica. Porcelanas chinas, biombos, teteras, sillas o máscaras africanas conformaron su universo. Los utensilios no tenían por qué ser valiosos o raros si no despertar una emoción en el autor y detonar la explosión creativa cómo inspiración.

http://www.rtve.es/noticias/20170803/matisse-objetos-historia-inspiracion/1591800.shtml

PIERRE PAUL PROUD´HON

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La Revolución francesa, las guerras napoleónicas que azotan Europa y la crisis interna de los sistemas de Antiguo Régimen, provocan la pérdida de la fe en la Razón. Como reacción, aparece una nueva sensibilidad que se caracteriza por conceder un valor primordial al sentimiento, la exaltación de las pasiones, la intuición, la libertad imaginativa y al individuo. El romanticismo es, ante todo, una manera de sentir.

El Romanticismo se opone al carácter encorsetado de la pintura académica, rompiendo con las reglas de composición. Su temática busca la evasión, los lugares lejanos y las épocas pasadas.

Pierre Paul Prud'hon (Cluny 1758  -  París 1823 ) fue un dibujante y pintor romántico francés, conocido principalmente por sus retratos y sus pinturas alegóricas.

Una de las pocas obras religiosas de Prud'hon fue Cristo en la Cruz (1822), concluida apenas un mes antes de su muerte, en la que reflejó la profunda tristeza del artista tras el suicidio de su amante Constance Mayer.

HOMENAJE A NICOLAS DE STÄEL

Artículo no disponible

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Nicolas de Stäel, 1914 San Petersburgo, Rusia-Antibes 1955

De nacionalidad francesa, aunque de origen ruso, aunó figuración y abstracción, estilos hasta entonces irreconciliables, en la que la temática fundamental fueron los paisajes realizados mediante la aplicación de poderosos empastes, de una gran belleza y armonía.

El empleo de la espátula como instrumento pictórico constituye uno de los factores que intervienen en la configuración de la marca personal de de Staël. Con ella aplasta la materia espesa y convierte el lienzo en exclusivo lugar de trabajo.

En su pintura el tema siempre está presente y la referencia figurativa nunca se diluye, de manera que no deriva en una abstracción absoluta. Una de sus últimas y más sobrecogedoras obras: Desnudo de Jeanne, un cuerpo hecho de luz, apenas esbozado, casi fantasmal, como si se resistiera a ser apresado por el lienzo. Jeanne no posó para él, es una composición de ausencia. "Como si la mujer que imaginabas de pie ante ti sólo hubiera dejado al irse -para provocar constantemente tu imaginación- las sombras de lo que antes fuera su cuerpo", escribe John Berger, en una carta imaginaria dirigida al pintor. (Fuentes: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y El País)

VACA_HOMENAJE A THEO VAN DOESBURG

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Theo van Doesburg (Utrecht, 1883-Davos, 1931) fue una de las figuras fundamentales en el desarrollo del neoplasticismo holandés tanto en pintura como en arquitectura.

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De formación autodidacta, en sus primeros años de dedicación a la pintura realizó obras ligadas al naturalismo y al impresionismo, y a partir de 1914 le influyó la obra de Wassily Kandinsky. Aunque su estilo evolucionó siguiendo las teorías neoplasticistas, que defendían el uso de la línea recta y de los colores primarios, en 1925 Van Doesburg introdujo la diagonal en sus composiciones, lo que desencadenó la ruptura definitiva con Mondrian.

EMIL NOLDE__NARANJAS

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Nolde se refería a sus colores en el paisaje como cálidos y santos, como canciones de amor y de erotismo, como cantos y espléndidas corales.